Le magazine SecondSexe - La culture du plaisir féminin

Connaissez-vous les Sheela Na Gigs ?

Sophie Bramly — 2021-09-02T15:46:16Z

Certaines façades d'églises et monuments méritent que l'on lève la tête : sculptées dans la pierre, des femmes nues, accroupies, les jambes écartées ouvrent leurs lèvres hypertrophiées. On trouve ces Sheela Na Gigs en France et en Espagne où elles auraient vu le jour au XIe siècle, en Italie et en Norvège également, mais la plupart de celles qui ont subsisté datent du XIIe siècle et sont dans les îles britanniques (peut-être parce que les ecclésiastiques de l'époque victorienne aient été moins affolés que les prêtres catholiques en France et en Espagne ?).

Selon Eamonn Kelly, conservateur des antiquités irlandaises au Musée national d'Irlande à Dublin, elles auraient ainsi été apposées sur les églises pour rappeler les dangers que représentent les femmes.
Certains historien.ne.s de l'art ont vu des figures grotesques de sorcières, destinées soit à mettre en garde contre les péchés de luxure, soit à lutter contre le mal (car depuis dans la Grèce antique, certaines croyances voulaient que l'exhibition des organes génitaux féminins effrayerait les démons).
D'autres théories existent, plus flatteuses : pour Joanne McMahon et Jack Roberts, elles sont une rémanence de religions pré-chrétiennes, honorant la fertilité et de la Déesse-Mère. La vulve exagérée étant un signe de pouvoir vital et de fertilité. Ces Sheela Na Gigs étant également sur des façades de châteaux et sur des poteaux de porte pourraient accréditer cette thèse.

Barbara Freitag, ancienne maître de conférences en études interculturelles à l'Université de Dublin et auteur du livre Sheela Na Gigs, paru en 2004 : Unravelling an Enigma, a été la première à mettre en avant cette idée. Pour elle, "il s'agissait manifestement de figures qui n'avaient rien à voir avec l'église à l'origine. On les trouve principalement dans les zones rurales et nous disposons d'un grand nombre de documents montrant que les gens de ces régions ont gardé ces Sheelas au péril de leur vie contre les prêtres, en particulier en Irlande, qui essayaient de les détruire - et les ont détruits. Il y a plusieurs décrets d'évêques disant qu'ils devraient être arrachés des murs". De ses visites dans certaines communautés où des Sheelas étaient présentes, elle a dit que "la fertilité était toujours le premier mot qui revenait". L'une des femmes avec qui elle s'est entretenue lui a raconté qu'au moment de l'agnelage, les agriculteurs présentent encore une brebis à une Sheela dans l'espoir que cela conduise à un printemps fertile. Il s'agit de phénomènes ruraux, car ces gens "comptaient sur les pouvoirs qui donnent la vie (...). À l'époque médiévale, le taux de mortalité maternelle était si élevé que l'on voulait une grosse vulve pour que l'enfant sorte le plus rapidement possible, car un accouchement long et prolongé pouvait très bien signifier la mort de l'enfant et de la mère." C'est pour cela aussi que les aides à l'accouchement médiévales "consistaient à rendre la vulve flasque et grosse - comme mettre du beurre dans le vagin pour aider le bébé à glisser plus rapidement", dit-elle.

Même leur nom étrange reste une énigme. Certain.e.s pensent que "Sheela" pourrait signifier "vieille femme" ou "vieille bique", tandis que "gig" désignait les parties génitales en argot. Barbara Freitag pense que Gig était de l'argot de l'anglais nordique pour désigner les parties génitales d'une femme. Un mot actuel irlandais, Gigh (prononcé comme le prénom Guy) à d'ailleurs la même signification.

Georgia Rhoades, professeure àl'Université Appalachian, souligne les similitudes des Sheelas avec des figures comme la déesse grecque Baubo, qui était représentée avec sa vulve visible et pointe vers plusieurs Sheelas qui ressemblent clairement à des représentations de la masturbation. "Il y en a une à Oaksey dans le Wiltshire et sa vulve descend jusqu'aux genoux et elle sourit, comme si elle célébrait quelque chose - et j'aime à penser qu'elle célèbre la sexualité féminine. Et c'est vraiment la seule décoration de l'église."

Si la véritable histoire des Sheelas est encore pleine d'incertitudes, il est intéressant de voir que les jugements portés sur elles sont le reflet des époques auxquelles elles ont été étudiées : tantôt figures maléfiques à détruire, tantôt symboles de vie et de fertilité à célébrer.

© illustrations :
Sheela Na Gig du XIIe siècle sur la façade de l'église de Kilpeck, dans le Herefordshire, en Angleterre.
Sarah Lucas, sculpture Sheela na gig (2012).

Portrait d'artiste : Ghada Amer

Nathalie Olivier — 2010-11-12T13:37:14Z

Le féminisme peut être dynamisé par la séduction.

Fille d'un diplomate égyptien, Ghada Amer est née au Caire en 1963 et y a vécu jusqu'à l'âge de 11 ans. Elle arrive en France en 1974 et y vivra vingt ans. Elle sort diplômée en 1989 de l'École Pilote Internationale d'Art et de Recherche (Villa Arson, Nice). Elle vit et travaille depuis 1996 à New York, dans le quartier de Harlem.


Black Flower with red Marks (2001)

Vénus, le déclic

Arrivée adolescente en France, Ghada Amer est très rapidement confrontée à de nouveaux codes (sociaux, culturels et vestimentaires). Ce profond décalage Orient/Occident va marquer profondément sa carrière artistique. Lorsqu'elle retourne en Égypte à la fin des années 80, après ses études, elle tombe sur un numéro de Venus, magazine de mode égyptien qu'elle décrit comme « le Vogue des femmes voilées ». Sur les pages glacées, des mannequins portent des vêtements de marques occidentales détournées —par photomontages, rajouts, empiècements— afin de coller aux exigences de l'islam. À la fin de la revue, des patrons invitent les lectrices à réaliser leurs propres modèles.

L'artiste le « conserve comme un talisman », il a été le point de départ de sa broderie figurative. Elle va immédiatement se mettre à dessiner des versions réduites à partir de ces patrons dans des cahiers à spirales. Elle créera ensuite en 1990 deux pièces Love Has No End et Untitled, figurant des tracés d'un patron de minijupe punaisé à un morceau de contre-plaqué. Le travail artistique étant sa seule manière de s'émanciper de l'autorité parentale, de se rebeller… J'étais tellement frustrée que je ne pouvais pas en parler à mes parents. Je ne pouvais pas me rebeller, ainsi d'une certaine façon, ce fut ma propre rébellion parce que je savais que mon incapacité à parler avait été une fausse excuse. J'ai finalement dit : « je m'en fiche, ils peuvent me punir, mais je fais l'art. C'en est arrivé au point où je pouvais quitter la maison, ne plus parler à mes parents, ou m'impliquer émotionnellement avec un homme non musulman. […] Peut-être que ce n'était pas très courageux, mais je ne pouvais pas opérer de transgression dans la réalité ; je pouvais seulement transgresser à travers ma peinture. » (1) C'est le déclic, fin 1991, Ghada Amer commence à coudre des patrons sur de la toile.

Du modèle au cliché


La Femme qui repasse (1992)

Au début des années 1990, elle va questionner la condition de la femme inféodée au rôle domestique que lui attribue la société avec des œuvres comme Cinq Femmes au Travail (1991), La Femme qui repasse (1992) ou encore Au Supermarché (1992). « Ce qui m'intéresse dans les clichés, c'est l'idée du "modèle à suivre" , et dans la vie nous y sommes partout confrontés ; dès la naissance on nous montre comment il faut vivre, on nous éduque dans ce sens, on grandit et on suit le modèle qui nous a été imposé. Tout mon travail tourne autour de l'idée du modèle. » (2) Dans Cinq Femmes au Travail, le tableau cousu est un quadriptyque qui représente une femme faisant son marché, une faisant la cuisine, une autre le ménage et la dernière s'occupant d'un enfant, la cinquième femme étant l'artiste elle-même cousant le tableau. Cette dernière femme invisible à l'œil remet en cause la place de la femme (dans le tableau, la scène domestique et la vie artistique) tout en opérant par le biais d'une technique conventionnellement dévolue aux femmes (la couture). Ghada Amer opère ainsi des déplacements à la fois pratiques et théoriques. « L'histoire de l'art a été écrite par des hommes, tant dans la pratique que dans la théorie [...]. C'est devenu l'expression majeure de la masculinité, en particulier à travers l'abstraction [...]. J'occupe ce territoire esthétique et politique parce que je créée des peintures abstraites, mais j'intègre à ce champ masculin un univers féminin : fait de couture et de broderie. » (3)
En 1993 elle utilise pour la première fois du texte dans son travail et réalise une œuvre intitulée Conseils de beauté du mois d'août, votre corps, vos cheveux, vos ongles votre peau, soit 4 mouchoirs brodés de conseils de beauté en lettres vert pâle, bleu roi, orange et carmin suspendus à des clous espacés régulièrement. Il s'agit pour elle de « se débarrasser de ces histoires pour se réinventer soi-même, [et] en tant que femme, [cela] prend une éternité ». (4) Dans le prolongement de cette démarche critique elle aborde l'image érotique en détournant des images trouvées dans des magazines érotiques. Ghada Amer s'inspire également des contes de fées. Pour elle, les figures stéréotypées des dessins animés de Walt Disney comme celles de Cendrillon ou Blanche-Neige représentent des idéaux de féminité incitant à la « soumission et à la passivité de la femme » envers l'homme de la même manière que les images des magazines érotiques tirées de Playboy ou Penthouse véhiculent cette image de soumission sexuelle —comme en montage parallèle.


Who killed les demoiselles d'Avignon (2010)

Les dessins de Ghada Amer représentant des couples en train de s'embrasser, des femmes recevant des cunnilingus ou se masturbant, prennent une force particulière hors de leur contexte d'apparition premier des magazines pornos. Le plaisir et la jouissance qui s'en dégagent sont comme libérés des contraintes de la représentation. Le réseau de fils à coudre les recouvrant agit comme un filtre préservant une part de pudeur, brouillant le voyeurisme des scènes de manière très subtile, à la manière des dripping de Jackson Pollock. Elle va s'attaquer aussi à la vision du couple à travers Ken et Barbie (Barbie loves Ken, Ken Loves Barbie, 1995), sortes de pyjamas cousus et brodés au fil rouge par Amer, ils rappellent les règles inhérentes à la sexualité de couple transmises dès l'enfance.

Dressing-code et sexualité


Private room (1998-1999)

En 1996, Ghada Amer échange avec un avocat l'aide légale pour obtenir un visa, la fameuse green card, contre un tableau. Ce déménagement va lancer sa carrière internationale. Cette toile, utilisée comme monnaie d'échange, était estimée à l'époque à 4 000 $ et vaut désormais plus de 125 000 $.
L'œuvre considérée comme emblématique de cette période est Private room (1998-1999), une pièce composée de 15 éléments répartis en trois catégories (housses de vêtements, armoire à chaussures et penderie). Des éléments suspendus sont confectionnés à la main entièrement par l'artiste sans aucune aide extérieure (d'où le temps de travail nécessaire s'approchant des mythiques figures de Pénélope ou de la reine Mathilde). Les couleurs chatoyantes et les matériaux kitsch choisis sont habituellement utilisés pour réaliser « les parures de lits de jeunes mariés dans les pays arabes ». L'écriture (en italique et en français) est à peine lisible. Il s'agit de chapitres du Coran (appelés sourates) qui parlent du rôle des femmes. Chaque sourate est composée de plusieurs ayas ou versets et est minutieusement brodée par Ghada Amer, telle par exemple la sourate 221 : « Ne te marie jamais à une femme polythéiste avant qu'elle ne devienne croyante. Une esclave qui croit, a plus de valeur qu'une femme libre et polythéiste. »
L'œuvre d'Amer va progressivement prendre de l'ampleur, en 2000 elle participe à la première exposition Greater New York au P.S.1 et à la Whitney Biennial. Son travail commence à être reconnu internationalement.

L'Encyclopédie du plaisir

En 2001, elle conçoit une installation de la même ambition que Private Room composée d'une série de malles de voyage en toile brodée recouvertes d'extraits d'une encyclopédie islamique médiévale, compilation de textes ayant pour objet la sexualité. Ghada Amer a choisi de recopier uniquement les passages liés à la sexualité et au plaisir féminin. La traduction anglaise est brodée au fil d'or avec une technique d'origine indienne appelé sirma très prisée en Égypte, usuellement utilisée afin de broder des calligraphies décoratives des versets du Coran.


The Dance (2004)

Sa première exposition personnelle n'aura lieu que quatre ans plus tard, en 2004, à la galerie Larry Gagosian de Beverly Hills. Son travail visuellement très fort a aussi une valeur théorique très contestataire même si elle se refuse à le préciser verbalement. « Moi je dis ce que je pense, ce que je ressens et je ne veux pas faire de révolution car je n'y crois pas, en tout cas pas à travers un travail artistique. »

De RFGA à Reza Farkhondeh + Ghada Amer


Ghada Amer & Reza Farkhondeh Rose hearts - E (2008).

Depuis 2001, Ghada Amer collabore avec l'artiste iranien Reza Farkhondeh sous l'entité RFGA (utilisée par eux de 2001 à 2006). Elle aime travailler avec cet ami de longue date puisqu'ils se complètent. Ils se sont rencontrés en 1988 en France alors qu'ils étaient étudiants. En 1995, Reza Farkhondeh émigre aux États-Unis soit un an avant Ghada Amer. Les parcours se font en parallèle. « Il comprend les choses comme des formes et moi comme des lignes » précise t-elle.
Si le travail d'Amer tend vers une certaine forme de systématisme, travailler avec quelqu'un d'autre lui permet de briser ce système et d'aller plus loin. Ce qui m'intéresse c'est la manière dont cela m'oblige à sortir de mes systèmes. Je découvre de nouvelles images. C'est très différent de mon travail habituel. Je pense que cela fonctionne comme une appropriation. Chaque fois qu'il me donne quelque chose je me l'approprie. (5) Les premières collaborations sous l'appellation RFGA cèdent désormais place à un véritable travail en commun.
Loin de proposer une réponse formelle critique vis-à-vis de la masculinité, Ghada Amer forme avec l'artiste iranien un duo artistique qui renforce la vision positive et optimiste de son œuvre.


The girl on yellow sofa, Ghada Amer et Reza Farkhondeh (2010)

Comme le précisait avec justesse Eleanor Hearney en 2005, « De fait, des universitaires musulmans, comme la féministe marocaine Fatima Mernissi, ont souligné que le prophète lui-même, polygame, se préoccupait grandement de la satisfaction du plaisir féminin. » (6) La lecture du travail de Ghada Amer offre une nouvelle fenêtre sur l'Islam et l'interprétation du Coran. Néanmoins, elle est aux aguets prête à intercepter et dénoncer l'action néfaste des données conservatrices à l'œuvre au sein de la société occidentale. Ghada Amer reste avant tout une vigie subversive et perspicace ancrée dans le réel.

[gris]Saskia Farber[/gris]

Exposition de Ghada Amer et Reza Farkhondeh à la galerie Filomena Soares à Lisbonne, jusqu'au 20 novembre 2010.

Notes :
(1) « The Thread of Painting : An Interview with Ghada Amer » interview réalisée par Robert Enright et Meeka Walsh pour la revue Border Crossings n° 111, août 2009.
(2) « Interview de Ghada Amer par Xavier Franceschi », in cat. Expo. Ghada Amer, Espace Jules Verne, Centre d'Art et de Culture, Brétigny-sur-Orge, 1994.
(3) déclaration de Ghada Amer publiée sur le site de l'exposition Feminist Artist Statement.
(4) Ghada Amer, entretien avec Valérie Cassel, 2002.
(5) « New Territory : Beyond RFGA, Ghada Amer & Reza Farkhondeh at STPI » Conversation entre l'écrivain Gina Fairley et les artistes Ghada Amer et Reza Farkhondeh dans leur atelier du Singapore Tyler Print Institute en février 2007.
(6) Eleanor Heartney, « Ghada Amer Cendrillon versus Schéhérazade » in Art Press n°308, janvier 2005.

Mauvais genre : redistribution des cartes

Arthur Gibert — 2010-08-27T12:00:04Z

Portrait d'Agnès Thurnauer.

« Peindre serait faire des branchements de libido sur de la couleur.(1) »

Agnès Thurnauer manipule l'histoire de l'art comme un matériau. Fortement inspirée par l'œuvre d'artistes masculins majeurs, elle détourne leur travail et le féminise, le questionne. L'artiste française se joue des conventions sociales et dresse un état des lieux incisif. Elle pointe du doigt les fictions de vie imposées aux femmes artistes et aux artistes femmes. Elle renégocie le plan de table avec humour et précision. Lors d'une conférence/discussion à l'occasion de son exposition monographique au Palais de Tokyo durant l'hiver 2003, Agnès Thurnauer affirmait que la notion de désir structurant son travail était à comprendre dans le sens d'un engagement.

Genre : détournements d'identités


Autoportrait à l'aile, 2010, copeaux de crayon et collage sur toile, 54x37 cm, photo Laurent Lecat

Michèle-Ange, Eugénie Delacroix, Marcelle Duchamp, Joséphine Beuys, Annie Warhol, Francine Picabia… : c'est avec « XX story » —une acrylique sur toile de 2 m 30 sur 3 m— réalisée à l'occasion de la Biennale de Lyon en 2005, qu'Agnès Thurnauer amorce son travail de détournement par féminisation des noms d'artistes célèbres. La toile est envahie de noms modifiés comme un mémorial dédié aux grandes absentes, aux oubliées de l'histoire de l'art. Le « XX » du titre se réfère ici directement à la dénomination des chromosomes sexuels féminins. Elle poursuit ce travail avec Portraits Grandeurs Nature (2007-2009) de grand macarons, sortes de plaques émaillées, comme autant de badges nominatifs accrochés aux murs des salles d'exposition. Ainsi que le souligne avec justesse Elisabeth Lebovici « Un badge, c'est un nom, une situation qui s'expose, comme ceux qu'on oblige certains employés à porter et c'est également un objet ludique, échangeable, qui sert un message ou soutient une action. Avec Agnès Thurnauer, donc, l' « e » n'est plus muet. » Ces œuvres transforment l'absence des femmes dans l'histoire de l'art en présence ludique et critique dans une forme nouvelle permettant de mieux questionner cette absence. Un seul intrus se cache parmi ces badges : Louise Bourgeois a muté en Louis Bourgeois comme nous rappeler la supercherie, comme pour insister sur le rôle de faussaire critique assumé pleinement par Agnès Thurnauer. Si dans son travail elle « emprunte certaines images aux chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art. Ceux d'Edouard Manet tout particulièrement. » ce n'est pas « pour leur imposer un autre style, mais pour interroger leur place dans le processus d'historisation des œuvres. Pour autant il ne s'agit pas de pédagogie picturale. Ni d'une révolte qui viserait à réhabiliter le petit nombre de femmes qui ont été peintres entre le XIIe et le XXe siècle : « XX Story » féminise avec humour quelques patronymes célèbres de l'histoire de l'art et se garde de toute soumission à l'autorité, sans imposer la sienne à quiconque. » (2)

Histoire de l'art : la peinture


The Passenger #1, 2010, acrylique sur toile, 73x100cm, photo Laurent Lecat

Pour Agnès Thurnauer, la peinture représente avant tout des questions. Lorsqu'elle s'attaque au chef d'œuvre d'Édouard Manet « Un bar aux Folies Bergère » (1881-1882) elle pointe un détail bien précis. L'écrivain Huysmans avait relevé lors du Salon de 1882 le caractère mystérieux et symbolique de cette toile, décrivant l'attitude des « assistants qui se pressent en échangeant des observations désorientées sur le mirage de cette toile ». Mais il n'avait pas su préciser le contraste entre la figure statique de la barmaid, au regard triste et perdu, et son reflet dans le miroir se livrant explicitement à la prostitution. Le miroir ne reflète pas la femme mais révèle aux spectateurs la raison de sa tristesse. L'artiste française propose plusieurs versions revisitées de la célèbre toile. Une première représente la figure de la barmaid se reflétant dans un rétroviseur (« The Passenger 1# », 2010). La seconde est un recadrage de l'œuvre originale ne conservant qu'un portrait de la barmaid recouvert d'un texte pornographique apparaissant en transparence (« l'Origine du monde », 2005). Le texte remplace le reflet du miroir. Le critique d'art Michael Fried avait noté par ailleurs le retour à l'envoyeur du regard posé par le spectateur sur la barmaid, jeu de regard dont le grand absent demeure le peintre lui-même qui a en réalité peint « sa propre absence »(3). Cet effacement de l'artiste est également une notion importante chez Thurnauer. On revient ici à cette absence, ce manque, ces zones blanches que l'artiste vient questionner. Le travail de Thurnauer est un travail de réécriture. Il existe ainsi une résonnance forte entre l'œuvre de Manet et celle d'Agnès Thurnauer. Michel Foucault remarque dans le tableau de Manet qu' « Il est impossible de savoir où le peintre s'est placé et où nous placer nous-mêmes, rupture avec la peinture classique qui fixe un lieu précis pour le peintre et le spectateur. Il s'agit là de la toute dernière technique de Manet : la propriété du tableau d'être non pas un espace normatif mais un espace par rapport auquel on peut se déplacer. » (4) L'idée de trajectoire, de promenade dans la toile étant essentielle chez l'artiste française. La peinture de Manet cherche à « tordre le cou à l'éloquence » selon Bataille, de la même manière Agnès Thurnauer ne souhaite émettre aucune affirmation mais poser des questions. Le tableau est un espace ouvert. Prédelle.


Vue d'atelier avec Grandes Prédelles, Ivry sur seine, 2009. photo Catherine Panchout

Le titre de la série intitulée « Grandes prédelles », réalisée entre 2008 et 2009, n'est pas seulement un jeu de mot homophonique entre les termes « près d'elle », ou « prêt d'aile ». Il s'agit encore une fois d'une allusion à l'histoire de l'art : la prédelle désigne la partie inférieure d'un retable servant de support aux panneaux principaux. La série de Thurnauer se compose donc d'un agencement de grandes huiles sur toile, à la typographie inspirée du magazine ELLE —écrit « ELLLLE » avec 4 « L » comme lorsque le magazine comporte des rabats sur couverture. On peut ainsi se demander si les retables, au XXIème siècle, n'ont pas été remplacés par les magazines féminins et la religion par le culte voué aux créateurs de mode ? La reproduction de l'œuvre d'Albrecht Dürer « étude d'aile d'oiseau » (1512) qui constitue en quelque sorte le logo de la série des ailes de Thurnauer à plus à voir avec un boléro perroquet de Jean-Paul Gautier qu'avec la véritable aile d'un oiseau…

Si Dürer fut l'auteur d'un « Traité des proportions du corps humain », Thurnauer reprend, quant à elle, les canons de la représentation artistique et féminine dans l'art et s'en amuse tout en les questionnant de manière très subtile et très argumentée.

Bien faite, mal faite, pas faite


La Mariée, 2010, acrylique et bois sur toile, 195x130 cm, photo Laurent Lecat

Fortement inspirée par le travail d'un artiste masculin majeur dans l'histoire de l'art : Robert Filliou (1926-1987), Thurnauer reprend à son compte certaines formulations développées par l'artiste. Filliou est avant tout célèbre pour son Principe de l'Équivalence (bien fait = mal fait = pas fait), théorie valorisant le « mal fait » et le « pas fait », qui sont finalement les seuls termes de l'équation à représenter une possibilité de progression, le « bien fait » ne proposant rien de plus que sa perfection. Thurnauer féminise la formule en « Bien faite, mal faite, pas faite » s'inspirant par ailleurs du travail de l'artiste actionniste et féministe autrichienne Valie Export ou encore de celui Vanessa Beecroft sur l'identité féminine et les diktats de la représentation du corps féminin et de sa circulation comme marchandise dans la société contemporaine. Elle appose sur des peintures inspirées par une célèbre marque de lingerie le sceau du principe d'équivalence mêlant ainsi jugement esthétique de l'œuvre d'art et du corps de la femme comme objet. La femme trop « bien faite » resterait elle, elle aussi, figée dans sa perfection ? « Je demande avec Filliou : Que sont ces critères d'évaluation ? Presque des diktats qui demandent à la femme de se conformer à un modèle qui lui fait croire qu'elle maîtrise son érotisme et sa sexualité qui lui impose des codes pour se penser comme désirable. » À l'occasion de la parution de son 1er catalogue en 1995 elle citait en exergue la célèbre phrase de Plotin « C'est le désir qui engendre la pensée ». Dans une série comme Biotope, le tableau « mes points G » propose une vision du « plaisir comme un espace dans lequel le corps baigne et qui l'infléchit sur lequel il agit à l'opposé d'un plaisir dont la société et les magazines féminins qu'elle produit dicte à la femme comme résidant en un seul point précis qu'elle va s'évertuer à chercher pour correspondre à un modèle ». Le plaisir chez Thurnauer étant toujours pris dans le sens de l'engagement.


Autoportrait #1, 2010, acrylique et bois sur toile, 54x65 cm, photo Laurent Lecat

Le travail d'Agnès Thurnauer est singulier et s'inscrit dans une volonté de questionnement incessant, de remise en cause du réel et de ses conditions d'apparition, de formulation. D'autres lectures sont possibles, d'autres espaces peuvent s'ouvrir. Jusqu'à la toile brute, non-préparée, qu'elle utilise comme support qui ne sera jamais enduite de peinture, qui n'a pas de fond et qui se refuse à accueillir la matière. Le déroulement de la toile non encore définie dans sa surface finale de présentation, le refus du cadre et du châssis répondent d'un objectif global fort. L'art ne saurait être circonscrit, la place de la femme dans la société comme dans l'histoire de l'art non plus.

[gris]Saskia Farber[/gris]

(1) Jean-François Lyotard, Des dispositifs pulsionnels, Paris, Broché, 1994
(2) Carole Boulbès, « Agnès Thurnauer, Peindre au moyen des mots », Art Press 320, février 2006.

(3) Michael Fried, Esthétique et origines de la peinture moderne, tome III, Le modernisme de Manet, Paris, Gallimard, 2000.

(4) Michel Foucault, La Peinture de Manet, Conférence donnée à Tunis, le 20 Mai 1971.

Sources : Site d'Agnès Thurnauer : http://www.agnesthurnauer.net/
Article à propos d'Agnès Thurnauer par Élisabeth Lebovici, (coauteur de Femmes artistes/Artistes femmes (éd. Hazan) avec Catherine Gonnard sur la couverture duquel figurent les « badges » d'Agnès Thurnauer) : http://le-beau-vice.blogspot.com/2006/04/agns-thurnauer-noms-du-pre-non-du-pre.html

Vidéo de la conférence/discussion avec Nicolas Bourriaud et Jérôme Sens organisée à l'occasion de l'exposition monographique d'Agnès Thurnauer au Palais de Tokyo durant l'hiver 2003 : http://www.dailymotion.com/video/xdjlqs_agnes-thurnauer-le-temps-present_creation

Photo du logo : Portrait grandeur nature (Francine Picabia), 2007, résine et peinture epoxy, 120 cm diam. photo François Fernandez

L'art de la censure

Arthur Gibert, Nathalie Olivier — 2010-07-16T11:10:58Z

Entravé, pieds et poings liés, comme bâillonné quand il s'agit de sexualité, l'art n'aime pas être un beau dominé. Car dans notre pays, un vent d'interdits souffle sur le sexe et Erato, muse de la poésie érotique, est livrée en proie aux censeurs et ayatollahs en tous genres. A l'occasion du Festival Côté Court, des personnalités liées au monde de l'art (1) étaient conviées à débattre sur les nouvelles formes de censure qui touchent la vie intellectuelle et artistique, principalement en France. Sans surprise, le sexe et ses représentations cristallisent à eux seuls les nouveaux interdits.

« Les esprits médiocres condamnent d'ordinaire tout ce qui passe à leur portée. »

Cette maxime de La Rochefoucauld résume à elle seule l'affaire « Présumés innocents ». A l'origine : une exposition sur l'enfance et l'adolescence au travers d'œuvres d'artistes contemporains au CAPC de Bordeaux, succès public et critique. Un mois après sa fermeture, une obscure association agenoise, La Mouette (qui se propose d'enfermer les enfants dans un monde de bisounours) porte plainte contre l'ensemble des personnes engagées dans l'organisation (artistes, prêteurs, commissaires...) pour pornographie et pédo-pornographie. En cause ? Les œuvres d'artistes majeurs comme Robert Mapplethorpe, Nan Goldin, Cindy Sherman ou Elke Krystufek, tous représentés dans les plus grands musées internationaux.
S'ensuivent 10 années de procédure absurde, bête à rire – ou à pleurer, c'est selon - : Interpol est mobilisé pour retrouver Mapplethorpe, pourtant décédé en 89. Le juge Croizier (2), en charge de l'instruction, multipliera les preuves d'inculture, allant jusqu'à demander au sujet de LA célèbre photographe : « Mais qui est donc ce Nan Goldin ? », rapporte Stéphanie Moisdon-Tremblay, l'une des commissaires de l'exposition. En 2006, obligé de se rabattre sur ces derniers, il met en examen Henri-Claude Cousseau, Stéphanie Moisdon-Tremblay et Marie-Laure Bernadac. La cour d'appel de Bordeaux annule l'ordonnance de renvoi en correctionnelle en mars 2010. La Mouette demande le pourvoi en cassation. Verdict courant juillet.

Symptomatique d'un climat délétère où les personnes morales se substituent à l'État pour endosser le rôle de « police morale », cette affaire n'a été rendue possible qu'à cause d'une modification en 94 et en 98 (Amendement Jolibois) de la loi et du nouveau code pénal.

De « l'outrage aux bonnes mœurs » aux « messages pornographiques »


Portrait de Louise Bourgeois, Robert Mapplethorpe

En 1994, la réforme du code pénal entre en vigueur. Elle réprime, désormais, en lieu du rétrograde « outrage aux bonnes mœurs », avec les articles 227-23 et 227-24 du Code Pénal, « le fait, en vue de sa diffusion de fixer, d'enregistrer ou de transmettre l'image ou la représentation d'un mineur lorsqu'elle présente un caractère pornographique » et « le fait de fabriquer, transporter et diffuser, par quelque moyen que ce soit et quel qu'en soit le support, un message à caractère pornographique ou de nature à porter gravement atteinte à la dignité humaine, lorsque ce message est susceptible d'être vu ou perçu par un mineur. »
La définition même du « message pornographique » demeure bien floue. Si l'ensemble des dictionnaires définissent la pornographie par la représentations de choses obscènes, qui choquent la décence, la pudeur ou le bon goût, autant de valeurs relatives et subjectives, l'acceptation moderne du mot « pornographique » renverrait plutôt à la finalité du message, l'excitation, voire la masturbation. Or, à trop respecter la définition académique, le changement de législation ne devient qu'une loi trompe-l'œil, faussement progressiste.

Par ailleurs, la mention « ou représentation », dans l'article 227-23 du code pénal, a été ajoutée en 98 sur proposition du député Charles Jolibois. (3). C'est à partir de cette disposition que les attaques des bien-pensants ont pu commencer, au tournant du millénaire. Avec cette notion de représentation il était désormais devenu possible d'incriminer des œuvres d'art, même si, comme le fait remarquer Norbert Campagna (4), « toute représentation publique d'activité sexuelle explicite n'est pas pornographique, mais toute représentation pornographique contient celles d'activités sexuelles explicites. » Apparemment, tout le monde n'est pas capable d'apprécier la nuance quand il s'agit de l'enfance.

L'enfance sacralisée


The Woman in the child, Gary Gross

Dernier reliquat de la morale judéo-chrétienne, la sacralisation de l'enfant, toujours plus pur, toujours plus asexué, toujours plus angélique, est donc devenue en quelques années le visage moral, consensuel et politiquement correct, de la répression et de la censure.
C'est comme si, dès que les mots "sexualité" et "mineurs" étaient prononcés de concert, un mécanisme émotionnel plongeait la réflexion dans le noir. La castration chimique, la peine de mort pour les violeurs d'enfants et dans une moindre mesure, les lynchages tant physiques que médiatiques, deviennent des réflexes intellectuels quand il s'agit de condamner cette figure nouvelle du Mal moderne.
Dès lors, la justice elle-même est rongée par la panique morale. Aux droits de l'enfant, on accepte de sacrifier la liberté d'expression et de création, en oubliant qu'aussi jeunes qu'ils soient, il n'en restent pas moins des êtres humains, avec des droits, des devoirs, et une sexualité dont on ne voit au nom de quel principe ultime l'art ne pourrait s'en emparer, surtout à des fins morales.(5)
Enfance sacralisée, mais enfance manipulée, puisque, exception faite de M. de Bellem, le père de famille à l'origine de la plainte contre Présumés Innocents, qui s'est aventuré au delà du parcours prévu pour les enfants, l'exposition n'a enregistré aucune réclamation, pas même des inspectrices en charge de l'instruction qui avaient visité l'exposition. Dans ce cas précis, il n'y a pas eu de préjudices, que des offenses. Et ni les critiques d'art, ni les experts en matière de pédo-psychologie ne devraient être habilités à juger de ces offenses. Mais est-ce le rôle du magistrat pour autant ?

Juge et parti


Made in Heaven, Jeff Koons

La véritable question est donc posée : qui est dans la capacité de juger de la pornographie des œuvres d'art ? Un magistrat ? Un critique littéraire ? Un psychologue ? Un sociologue ? Les œuvres de l'esprit sont en France protégées par le code de la propriété intellectuelle, selon qu'elles sont originales ou nouvelles. Ainsi, dans l'affaire Plateforme, roman de Michel Houellbecq, le magistrat, après la plainte pour pornographie de l'association Promouvoir, a délibéré en faveur de l'auteur « malgré des scènes sexuelles complaisamment décrites », car « l'ouvrage en cause n'est pas pour autant dénué de valeur artistique ou littéraire. » Le juge s'érige donc en critique. Si, ici, la décision penche plutôt en faveur de la liberté d'expression et de création, quid des procédures où le verdict est bien moins libéral ? Devons-nous laisser le pouvoir aux juges de décider de ce qui relève de l'art et ce qui relève de la pornographie ? Il fut une époque où le magistrat avait ce pouvoir, et cela a failli nous coûter deux des plus grands génies littéraires du XIXème siècle, Flaubert et Baudelaire.
Par conséquent, devant l'impossibilité du consensus, le législateur serait bien inspiré d'exclure les œuvres artistiques, fictionnelles et esthétiques des articles 227-23 et 227-24, comme le propose l'Observatoire de la liberté d'expression dans la création et Agnès Tricoire, sa présidente. Pourquoi ne pas laisser à la responsabilité des organisateurs et des commissaires d'expliquer, d'informer sur le contexte d'une œuvre sans pour autant prendre le public pour des personnes incapables de réflexion et de distanciation, attitudes pourtant fondamentales pour visiter une exposition ? Sans cela, l'idée même d'exposition, de collection ou de publicité des œuvres perd son sens.

De la censure à la "sensure"


Klara & Edda belly dancing, Nan Goldin

Au fur et à mesure que la censure institutionnelle et morale s'insinue dans les œuvres de l'esprit, la modification, l'ajout ou la privation de sens s'accentue. Des œuvres jugées jusque là banales, comme des photos de David Hamilton, mises à l'écart lors de la biennale de Lyon, sont paradoxalement, mises en avant par le silence qu'on impose dessus. Le recours au floutage, l'interdiction de l'exposition aux mineurs ou la mise sous blister des catalogues d'exposition, « c'est montrer l'obscénité absente de ces images » affirme Stéphanie Moisdon-Tremblay. Il n'y a donc pas de meilleurs moyens pour attiser le regard, exciter la curiosité.

D'autres, plus importantes, sont dérobées à la connaissance des néophytes et du grand public pour être réservées aux yeux de quelques privilégiés du monde de l'art, à l'instar du programme du Festival d'Automne en 2004, commandé à Nan Goldin (toujours elle !), dont le partenaire média, Télérama, a exigé qu'il soit détruit car jugé trop risqué légalement. C'est donc tout un pan du travail de l'artiste qui a été caché au public, tandis que les organisateurs et le magazine ont eu tout le loisir et l'occasion de l'apprécier (ou pas, apparemment).

Pire, la caractérisation de message pornographique est vampirique : infamante, elle occulte la dimension polysémique des œuvres de l'esprit, fictionnelles et artistiques. Elle nie, par là-même, le droit à l'existence de ces œuvres, comme le prouve la requête de la Mouette de détruire certaines d'entre elles. Pourtant, très rares sont ceux qui trouveront une excitation, voire un appel à la masturbation, devant la photo, certes, provocante de Brook Shields (6), nue à 13 ans. Or, le trouble n'est pas nécessairement ou exclusivement érotique, pornographique ou violent. Il ne nuit à personne si ce n'est à une entité abstraite, l'Enfance romancée. Ce dont la Mouette accuse les organisateurs de Présumés innocents, ce n'est donc pas d'avoir nuit à des personnes physiques mais à leur conception idéalisée de l'Enfance. Cela s'apparente à un délit de blasphème.

De fait, le blasphème dérange et fait désormais peur aux artistes et aux organisateurs. Catherine Millet, rédactrice en chef d'Artpress admet que mettre les photos de Jeff Koons et de la Cicollina, Made in Heaven, en couverture, comme il a été fait dans les années 90, "ce serait plus difficile aujourd'hui." On ne peut que confirmer, au vu de la polémique qui a entouré l'exposition de ce dernier à Versailles.(7) C'est donc toute pensée un tant soit peu libertaire qui est réprimée.

Le XXIème siècle s'ouvre sur une période sombre, où organismes de tutelle, organisateurs et parfois-même artistes, passent de censurés à censeurs, où la peur des condamnations pénales poussent à la retenue. Catherine Millet le fait remarquer, l'époque est peu encline à traiter explicitement de la thématique sexuelle. Pourtant, des amphores grecques aux femmes girondes de Rubens, sexe et art ont le plus souvent donné une progéniture qui réveillait les sens, l'imagination et l'esprit.

[gris]Arthur Gibert[/gris]

Notes :

(1) Étaient présents : Agnès Tricoire, présidente de l'Observatoire de la liberté de création ; Stéphanie Moisdon-Tremblay, commissaire d'exposition ; Catherine Millet, rédactrice en chef du magazine Artpress ; Bernard Noël, écrivain et poète ; Jean-Marc Adolphe, directeur de la publication de la revue Mouvement.

(2) Le Juge Croizier est accessoirement consultant à l'INAVEM ; Institut National d'Aide aux Victimes et de la Médiation, institut proche de La Mouette. Ceci peut expliquer les raisons qui ont poussées l'ex-doyen des juges d'instruction de Bordeaux à renvoyer en correctionnelle, contre l'avis du parquet, Henri-Claude Cousseau, Stéphanie Moisdon-Trembay et Marie-Laure Bernadac, ce qui constitue un fait rarissime dans les procédures judiciaires françaises. Juge et parti donc ?

(3) Ajout qui avait pour but, à l'origine, de lutter contre les films animés de pédo-pornographie.

(4) Norbert Campagna, L'Ethique et le Droit, éd. de L'Harmattan, 1998

(5) L'association L'Enfant bleu avait demandé aux éditions Gallimard le retrait du roman Rose bonbon, qui mettait en scène la vie d'un pédophile. Œuvre de fiction, ce roman se terminait sur une fin parfaitement morale, puisque le héros meurt dans d'horribles souffrances. On peut rapprocher de ce cas, l'interdiction aux moins de 18 ans et la classification X du film de Wakamatsu, Quand l'embryon part braconner sous prétexte qu'il présentait des tortures et sévices faites à une femme, qui pourtant finissait par tuer son tortionnaire.

(6) En 78, Gary Gross publiait la photo de la jeune actrice, nue, dans sa baignoire, pour la une de Photo Magazine. En 81, Brooke Shields, devenue célèbre, attaque Gary Gross pour violation de la vie privée et préjudice moral. En 83, le juge déclare le non-lieu, estimant qu'elle n'était ni pornographique ni sexuellement explicite. En 2009, la photo est retirée d'une exposition à la Tate Modern par la brigade spéciale des arts intégrée à Scotland Yard. La photographie fait partie des œuvres incriminées dans l'affaire Présumés Innocents

(7) Il en va de même pour l'exposition Murakami prévue en septembre prochain. Pourtant, « On n'exposera pas d'œuvres pornographiques dans un château ouvert aux moins de 18 ans. Plein d'œuvres classiques ne sont pas montrées à Versailles à cause de leur ambiguïté, ce sera pareil pour Murakami », promet Laurent Brunner, le patron de Château de Versailles Spectacles.

Première photo : Innocence, Paul McCarthy

Bibliographie :
La liberté d'offenser - Le sexe, l'art et la morale, Ruwen Ogien, éd. La Musardine, octobre 2007
La Création est-elle libre ?, sous la direction d'Agnès Tricoire, éd. Le Bord de l'eau, 2003

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Portrait d'artiste : Marilyn Minter

Aurélie Galois — 2009-10-16T16:28:20Z

Entre fétichisation assumée et érotisation consumée, le travail de Marilyn Minter se distingue parce qu'il ne choisit pas clairement son camp. Elle navigue entre art et mode, peinture réaliste et photographie. Une œuvre suggestive et digestive, overdose de chair et d'accessoires de mode, totalement inféodée à la société de consommation et à ses codes mais y échappant simultanément, se refusant à une catégorisation trop rapide.

Lining up

Née en 1948 à Shreveport en Louisiane, Marilyn Minter vit et travaille à New-York. Elle grandit en Floride au sein d'une famille issue de la bourgeoisie américaine. Diplômée de l'Université de Floride, Minter obtient en 1972 un M.F.A. (Master of Fine Arts) à la Syracuse University, dans l'état de New York. Marilyn Minter avoue d'ailleurs avoir été fascinée par NY à une époque où tous les étudiants en art rêvaient d'aller en Californie. Elle déménage enfin à New York en 1976 où elle devient grâce à son habileté l'assistante du plombier qui l'a aidée à remettre en état son loft - aujourd'hui elle s'amuse d'avoir entièrement refait la plomberie de l'artiste Elizabeth Murray — puis devient l'assistante du sculpteur Kenneth Snelson.

Entre 1978 et 1985 elle s'immerge dans le monde de la nuit new-yorkaise passant son temps chez Save the robots, un bar de l'East Village ou 8BC, qui était alors un espace underground dédié aux performances, une galerie d'art et un night club réputé. En 1985, Marilyn décide d'arrêter la drogue, trouve un poste d'enseignante dans une école catholique pour garçons le jour et reprend son travail d'artiste la nuit.

Coral Ridge Towers

En 1969, la célèbre photographe Diane Arbus est professeur invité à l'Université de Floride de Gainesville. Le directeur du département de photographie demande à Marilyn de montrer ses planches contact à la célèbre photographe. Elle présente ainsi sa série intitulée Coral Ridge Towers à Arbus qui est enthousiasmée par le travail de la jeune artiste. Cette série de 9 photographies est issue d'une séance de shooting réalisée avec sa mère agoraphobe : Honora Elizabeth Laskey Minter, en descente de prise de tranquillisants et autres sédatifs. Pour Marilyn Minter, ces images bouleversantes ne sont que le simple reflet de sa vie quotidienne. Malgré les louanges adressées par Diane Arbus, les moqueries des autres élèves au sujet de sa vie familiale lui feront enterrer ce travail pendant plus de 25 ans.

Quelques années plus tard, décriée pour ses peintures hautement suggestives elle répondra avec plus de détachement à ses détracteurs : « Je pense que chaque fois que vous faites quelque chose qui a l'air bien, les gens le sous-estiment. Ils veulent immédiatement l'écarter. Si cela semble vraiment bien, il y a un rejet systématique. Mais peu importe, parce que je sais que ces images vont avoir bonne presse dans 20 ou 30 ou 50 ans. Ainsi, si les gens ne le comprennent pas maintenant, ils le comprendront tôt ou tard. » Aujourd'hui des photographes comme Nan Goldin ou des cinéastes comme Larry Clark ont popularisé ces images de junkies mais à l'époque les autres élèves étaient relativement choqués par la vision de la mère de Minter, femme d'une cinquantaine d'années à l'élégance vénéneuse et décadente, genre Joan Collins ou Faye Dunaway, en déshabillé vaporeux, perruque et faux ongles, occupée à fumer, à avaler des pilules et à se maquiller. Ce n'est qu'en 1995 que Minter décidera de faire retirer les clichés de Coral Ridge Towers à l'occasion d'une exposition.

100 Food Porn

En 1989, Marilyn Minter sort avec l'artiste Bill Miller et n'ose pas le faire monter dans son atelier de peur qu'il ne soit choqué par les peintures issues de la série Porn Grid hautement suggestives qui recouvrent les murs. La plupart de ses amis masculins de l'époque furent scandalisés et l'incitèrent à ne pas montrer ce travail de « pornographie hardcore » qu'ils jugeaient dégradant pour la femme. Elle prolonge néanmoins ce travail dans une série de peintures intitulées 100 Food Porn, des doigts manucurés détaillent des légumes en tranches, ouvrent des œufs, farcissent un poulet et pénètrent toutes sortes d'aliments en gros plan. Format, cadrage, et répétition rendent ces gestes usuels totalement obscènes. La même année, afin de promouvoir son travail, Marilyn réalise une vidéo publicitaire, intitulée 100 Food Porn, destinée à être diffusée pendant les coupures pub au même titre que les publicités habituelles. Elle fut diffusée pendant le David Letterman show.

Cette vidéo porte ce nom de 100 Food Porn non seulement parce qu'elle réalisa effectivement une série de 100 peintures mais également pour se rapprocher des numéros d'appel de la hotline du sexe que les spectateurs voyaient défiler le soir sur leurs écrans. La publicité réalisée par Minter servait également de carton d'invitation afin d'annoncer son exposition à la Simon Watson Gallery. Son rapport à la société de consommation, aux médias ou à la mode la place entre critique et adaptation parfaite, d'où un « sentiment d'inquiétante étrangeté » au contact de son travail. Entre attraction et répulsion.

Art & Fashion

Depuis 2002, Marilyn Minter a travaillé pour de nombreuses marques dont la célèbre marque de cosmétiques M.A.C., pour laquelle elle photographie des yeux et des bouches surmaquillées en gros plan ; pour Tom Ford et Versace, elle réalise des publicités pour des chaussures d'hommes et de femmes souillées par de la boue. Car pour Minter le « trash » est indissociable de la vie new-yorkaise : aussi « fashion » que l'on veuille être, il faut toujours patauger dans la boue pour traverser la City. Pour l'exposition qui lui est consacrée au San Francisco Museum of Modern Art en 2005, elle présente un travail hyperréaliste constitué de gros plans d'orteils, bouches, yeux maquillés et souillés. En 2006, elle investit les panneaux d'affichage de Chelsea (quartier des galeries) à New-York où elle montre d'autres gros plans de chaussures de luxe, souillées par des éclaboussures de boue saumâtre.

Elle participe cette même année à la Biennale du Whitney et son travail est choisi pour figurer sur la couverture du catalogue. En 2007, elle réalise une série de portraits de l'actrice Pamela Anderson —répondant à une commande de l'éditeur Parkett. Des images très glossy, comme mouillées de surglaçage rappelant certaines pages de magazine, détrempées de surbrillances séminales.

De Fried Sweat à Green Pink Caviar

En 2007, sous l'impulsion de la jeune artiste Mika Rottenberg, Marilyn Minter participe à la vidéo Fried Sweat qui sera présentée à la galerie Laurent Godin à Paris. Le fil conducteur reliant le travail de ces deux artistes était la sueur et le dispositif nécessitait l'intervention du visiteur qui était incité à déplacer légèrement l'œuvre de Minter, Armpit (2006), un gros plan sur une aisselle féminine moite, afin de révéler une percée dans le mur permettant de visionner la vidéo de Rottenberg.

MTV proposait en mars 2009 une projection sur l'écran géant de Times Square à New-York, conçue par Marilyn Minter et intitulée Chewing Color. Il s'agissait selon ses propres termes d'une « pathologie du glamour ». Programmé pendant deux mois d'avril à mai, Green Pink Caviar complète la série « 44 1/2 » initiée par des œuvres de Gilbert & George, les Yes Men ou encore Steve McQueen. [1] « Je shootais des images fixes de modèles avec de longues langues enroulées suçant des sucreries à travers une plaque de verre. J'ai voulu réaliser des peintures émaillées en conservant cette idée de peinture avec ma langue. Mon maquilleur a shooté quelques vidéos courtes juste pour voir comment cela rendait. Les vidéos de basse définition ont semblé si réussies que plus tard nous avons fait des projets de vidéos professionnelles en haute définition. J'avais déjà réalisé à la fois des panneaux d'affichage et produit une publicité pour une exposition de peinture en 1989, il s'agissait ici d'une autre étape. Green Pink Caviar semble avoir trouvé sa vie propre. » En effet, ces bouches montrées en plan serré dans un univers très coloré deviennent des créatures presque abstraites, des concentrés de gourmandise érotique. Retravaillé pour l'occasion, Green Pink Caviar, a fait l'ouverture du Sticky & Sweet Tour de Madonna, le 4 juillet 2009, à Londres, diffusé en rythme avec le premier titre de la tournée Candy shop. Rien d'étonnant à ce que la Ciccone ait voulu se superposer à ces images troublantes de bouches dévorant le spectateur, lèvres écrasant leur pulpe dans le sucre, langue léchant le sirop…

Le centre d'art La Conserva de Murcia en Espagne propose une rétrospective du travail de Minter, faisant cohabiter les photographies issues de la série Coral Ridge Towers avec ses portraits de Pamela Anderson, la série des Bubble ainsi que des projections de Green Pink Caviar (du 13 septembre au 22 novembre 2009). L'occasion d'embrasser l'ensemble de son travail qui témoigne d'une foisonnante variété technique et formelle, mais dont la cohérence se lit à travers ce corps humain, organique, vivant, sublimé d'une manière aussi radicale que singulière.

[gris] Saskia Farber

Note :
1 Avec le film de Minter étaient projetés les films de Patty Chang : Fan Dance (2003), et de Kate Gilmore : Star Bright, Star Might (2007).

Sources : www.greenpinkcaviar.com www.laurentgodin.com [/gris]

[1] 1

"Sexe et Art", le débat SecondSexe

Aurélie Galois — 2009-10-02T11:19:45Z

SecondSexe et Terrafemina organisent un colloque qui sera animé jeudi 8 octobre par Catherine Millet et Bettina Rheims, sur le thème « Art, sexe et féminité ». L'inscription est close, mais nous mettrons rapidement en ligne une série de vidéos des meilleurs moments.

La représentation du sexe.

« Et si la sexualité était le principal moyen d'accéder au bonheur et à la liberté de pensée ? » se demande Fabrice Bousteau [1], divulgant par cette interrogation la place majeure de l'Eros dans l'art, depuis les premières représentations de phallus et de vulves de la Préhistoire. Il forme avec son pendant, Thanatos, un duo rémanent qui fusionne dans la « petite mort ». « Au-delà du simple sujet (motif) artistique le sexe est partie prenante des processus de l'art lui-même » [2]. Mais comment apparaît-il ? Pour Fabrice Bousteau, « on est passé d'une époque où le réel du sexe était interdit à la représentation, à une époque où l'on sur-représente un sexe fictionnel ». De fait, les images qui nous parviennent tous azimuts via la consommation et la communication, n'ont plus grand-chose à voir avec le réel, en ce sens que nous ne nous projetons pas en elles, et encore moins notre plaisir. Que nous montrent donc les cimaises actuelles ? L'obscène (et son corollaire la censure), qui n'est pas une invention récente, arpente toujours les galeries et les musées d'art contemporain. Pas une exposition qui ne recèle ne serait-ce qu'un fragment d'éros. Pas un cache-sexe qui n'ait été arraché. La nudité, la différence des sexes, l'homosexualité, la transgression, l'auto-érotisme… tout est à découvert. Artistes, femmes et hommes, ont tous les droits. Surtout depuis Duchamp qui voulut remplacer tous les ‘–ismes' de l'art par celui d'érotisme, pour montrer enfin ce qui était toujours caché.


© Natacha Merritt

Le sexe à l'inaction

« Le pornographique ne serait, proprement, que le déshabillage, la dénudation, le désornement de ce qui, ailleurs et autrement, n'est qu'habillé, orné, étoffé, analyse Georges Molinié. (…) On fait voir du voir. » Pour Freud, si la représentation des parties génitales est excitante, elle n'est jamais considérée comme belle. C'est un fait qu'aujourd'hui, la beauté, tout ou moins décorative, flatteuse, n'est pas le souci premier de nos artistes contemporains. Pour ce qui est de l'excitation, rien en vue non plus ! C'est que l'art reste à l'état de figure, impénétrable, intouchable, inodore, d'où cette perpétuelle frustration : on sort rarement sexuellement excité d'une exposition surtout quand le sujet en est précisément érotique. Le spectateur est parfois choqué, quelques fois interloqué, souvent blasé, rarement érotisé. Le problème est qu'on cherche tous la même chose : on guette notre jouissance à travers les yeux d'un autre, comme pour l'assurer, la figer, dans une quête absolue, insoluble. « Nous ne saurons rien de l'essence de l'amour ni des mystères de la jouissance féminine », se lamente le critique d'art Bernard Marcadé. « Nous ne serons conviés qu'au spectacle figé et répétitif d'actions de passions n'ayant pour seule épaisseur que celle de l'image. »

Le Girl power ou l'immanence de l'œuvre toute puissante.

Bien plus que la question de la jouissance féminine dans l'art, la position de la femme artiste est sujet à questions et à revendications comme en atteste l'exposition « Elles@centrepompidou ». Expositions de femmes, commissariat féminin… on a parfois l'impression de pénétrer dans un ghetto, comme si le regroupement était la seule alternative. Pour certain(e)s il faut en passer par le quota ou le regroupement genré pour que s'exprime la voix de la femme. Le risque n'est-il pas de niveler les talents, de noyer les œuvres, ou d'inventer de toute pièce une artiste là où il n'y a qu'une femme ? Pour d'autres en effet la question du Masculin / Féminin serait dépassée, effacée par la puissance de l'œuvre elle-même ou par le hiatus entre le sexe biologique et les nouvelles identités revendiquées. Andy Warhol s'interrogeait déjà : « De même qu'avoir des rapports sexuels, être un être sexué est un dur labeur. Je me demande s'il est plus difficile 1) pour un homme d'être un homme, 2) pour un homme d'être une femme, 3) pour une femme d'être une femme, 4) ou pour une femme d'être un homme.(...) J'imagine que ça doit être passionnant d'essayer de changer de sexe, mais il peut être passionnant de garder celui qu'on a ». Aussi, que signifie être une femme artiste ou un artiste femme à l'heure où, en apparence tout au moins, les codes se mélangent ?


© Louise Bourgeois

Matriarc'art

Autrefois, la position de la femme dans l'art était celle de muse ou de modèle, capable de s'adapter aux désirs masculins. Ainsi Hans Bellmer qui au début des années 30, pousse cette disponibilité jusqu'à inventer sa Poupée, « une fille artificielle aux multiples possibilités anatomiques capable de rephysiologiser les vertiges de la passion. Ainsi les femmes artistes sont des exceptions jusqu'au XXe siècle, (hormis les interprètes, chanteuses, danseuses), des femmes à tous points de vue hors normes. Très vite, en acquérant une place dans les Beaux Arts, elles en ont embrassé les enjeux sexuels et sexués. Louise Bourgeois (1911-) a ouvert la voie de l'explicite : représentation d'organes sexuels et d'actes, sans faux-semblant. Sa Fillette, phallus géant sculpté de ses mains, se fait totem, objet à la fois sacré et attachant. Ce que Catherine Millet attribue à une attention au réalisme plus prononcée chez la femme que chez l'homme, se vérifie : depuis les années 70 en particulier, les artistes femmes ont modifié la représentation du corps féminin, éloigné du fantasme et de l'idéalisation masculine. Le canon au sens propre comme au figuré disparaît sous leurs doigts au profit de corps tour à tour fragiles et puissants, bruts, nus, pleins, vivants. Presque toujours, le regard est bienveillant, voire aimant.


© Sarah Lucas

Ainsi, au-delà de la représentation du corps, la question de la liberté du corps et de sa réappropriation a également été le moteur de leurs œuvres. Nombreuses artistes mettent même leur propre corps à l'œuvre, investies à part entière dans leur art. Niki de Saint Phalle, Cindy Sherman, Bettina Rheims, Nan Goldin, ou encore Annette Messager, Sophie Calle, Marlene Dumas, Betty Tompkins, Sarah Lucas, sont quelques unes des artistes phares qui adressent les questions de la représentation de la femme comme être sexuellement différent et désirant. Cinquante ans après l'émancipation féminine, il semble que les femmes s'attachent plus à affirmer leur position d'artiste, à revendiquer leur égalité sur l'échiquier du marché de l'art, qu'à exprimer leur singularité de femme, et qui plus est leurs désirs intimes. Si tel était le cas, ne verrait-on pas plus de représentations masculines, corps d'hommes servant la sexualité féminine ?

Sophie Bramly et Aurélie Galois

1 : Sexes, images-pratiques et pensées contemporaines, Beaux-Arts magazine/Livres, 2003. 2 : Marie-Laure Bernadac & Bernard Marcadet, introduction du catalogue Masculin/féminin, 1995, Beaubourg.

[1] 1

[2] 2

Portrait d'artiste : Bettina Rheims

Alina — 2009-04-27T15:09:58Z

"De façon générale, c'est le genre humain qui m'intéresse. Mais il est vrai que la Femme est un sujet qui me parle beaucoup. C'est dans les femmes que j'ai puisé mes désirs. J'aime la chair, je suis une photographe de peau."

Bettina Rheims est un phénomène, l'une des plus célèbres artistes françaises. Photographe sollicitée par l'Elysée (photo officielle de Jacques Chirac puis plus récemment série de photos de Nicolas Sarkozy) et officier de la légion d'honneur, pour la janusienne côté face. Côté pile, elle dresse le portait de la communauté transsexuelle avec des séries comme Les Espionnes en 1992 ou Kim en 1994. Elle choque avec I.N.R.I revisitant la vie de Jésus (1997). Elle dénude, sans fausse pudeur, dans une frontalité respectant l'intégralité des corps, des femmes rencontrées dans la rue ou recrutées par le biais d'une petite annonce insérée dans un journal. Bettina Rheims occupe une place à part dans l'univers photographique à l'instar de Robert Mapplethorpe, Guy Bourdin ou encore Pierre & Gilles, naviguant entre espace muséal et pages glacées des magazines. C'est cette dichotomie qui a inspiré à Michel Onfray l'ouvrage Oxymoriques. Cet incessant aller-retour entre presse, mode et art.

Prémices

Bettina Rheims fut d'abord mannequin puis journaliste et galeriste avant de se consacrer à la photographie en 1978. Elle se fait remarquer par une première série de photos mettant en scène des stripteaseuses et des acrobates, puis en 1982 par la série Animal, réalisée à partir de taxidermies (chat, tigre, colombe…). Ces cinquante tirages en noir et blanc, grand format, distillent chez le spectateur, un sentiment de fragilité et de malaise intangible. Les animaux pour la plupart loués chez Deyrolle (spécialiste parisien de la taxidermie), entre 1982 et 1994, semblant étonnamment vivants. "Animal paraît le plus existentiel des travaux de Bettina Rheims. Le lieu dans lequel elle exprime peut-être le maximum de ce qu'on peut entendre de son œuvre, ce qui le sous-tend, le soutient, ce que sont ses attendus. Sobre, en noir et blanc, dans une totale économie de mise en scène qui tranche avec la profusion chromatique ou la pléthore d'objets d'autres albums, tout se concentre sur le sujet. Le traitement esthétique lui aussi se trouve réduit à minima. À priori, choses sobres sobrement dites. Fond et forme en symbiose totale. Puissance de la concentration. (...) (Michel Onfray). Tout en travaillant pour la photographie de mode, créant des campagnes publicitaires et, réalisant des portraits de célébrités (pour Sygma puis pour H&K), elle développe une activité artistique plus singulière.

Female Trouble (1989)

"Aussi loin qu'aille Bettina, le visage du sujet demeure cependant ouvert. Le fait qu'elle soit une femme y est sans doute pour quelque chose." Catherine Deneuve

La série Female Trouble rassemble des photos glamour de jeunes femmes anonymes, actrices et mannequins (Charlotte Rampling, Mathilda May, Anna Karina, Catherine Deneuve…) exposées dans des poses lascives : "Ce qui me plaisait et que je cherchais dans ses images, c'était leur côté double. Elles sont à la fois féminines et masculines, dures et tendres. Tendres, sans mièvrerie, pleines d'une douceur qui n'est jamais condescendance, ou mollesse. Elles possèdent aussi une certaine dureté, qui n'est ni amère, ni gratuite, ni méchante." Si elles ouvrent l'espace vers une intimité non-simulée, elles préservent la pudeur des modèles consentants.

Modern Lovers (1990)

Modern Lovers, capture l'androgynie adolescente. On y découvre la jeune mannequin alors débutante : Kate Moss. Cette série inaugure l'ouverture de la Maison Européenne de la Photographie à Paris en 1990, avant de partir en Grande-Bretagne et aux États-Unis. "Un soir de septembre 1989, à la fin d'un casting, une grande fille brune aux cheveux courts est entrée dans le studio. Elle m'a troublée autant par son physique que par son comportement. J'avais auparavant l'habitude de choisir un certain type de filles très féminines, et ne prêtais plus guère attention aux autres. Josie avait un visage de jeune garçon. Elle bougeait, elle parlait aussi avec une sorte d'indifférence agressive, comme un adolescent. Son ample blouson dissimulait ses formes. Je ne m'expliquais pas mon trouble. Je l'ai photographiée, sans maquillage, nue, de profil les mains sur les seins. J'ai photographié quelques jours plus tard, un garçon très doux, aux longs cheveux de fille, d'une beauté remarquable. En posant les images côte à côte, j'ai eu l'idée des Modern Lovers."(2) L'ambiguïté diffuse des corps et des postures distille un érotisme trouble à l'identité indéterminée.

Chambre Close (1992)

Chambre Close est à la fois l'occasion de sa première collaboration avec le romancier Serge Bramly et sa première série en couleur. "Serge Bramly est indispensable à ma vie, il fait un projet sur deux avec moi. Nous sommes extrêmement complémentaires, ça fait 30 ans qu'on se connaît il y a un vrai lien." Chambre Close s'inspire de l'imagerie pornographique old school, les corps dénudés fortement érotisés dans leur inaccessibilité évoluent dans un univers de chambres défraîchies, confrontant la sexualité à un diorama quotidien. La narration fait irruption dans ces photographies proposant un fantasme live au spectateur. L'érotisme suinte des papiers peints à fleurs.

Les Espionnes (1992) & KIM (1994)

Le titre de la série est une allusion à ceux qui ne sont pas ceux qu'ils semblent être. Dans ces images, les corps et les identités sont en transition, échappant à la définition d'une identité. KIM est le résultat de la rencontre de Bettina Rheims avec Kim Harlow, transsexuel qui décédera infecté par le VIH avant la publication de l'ouvrage éponyme. Kim explique dans la préface ses rapports avec Bettina Rheims, avec quel talent de persuasion elle l'a amenée à revivre le temps d'une séance la métamorphose en sens inverse : de son enveloppe féminine, choisie, vers son enveloppe masculine, biologique. Kim est une autobiographie intimiste dévoilant le parcours sensible, à rebours, d'un changement d'identité sexuelle.

I.N.R.I. (1999)

I.N.R.I est l'acronyme de Iesus Nazarenus Rex Iudæorum soit Jésus le Nazaréen, roi des Juifs. Son apposition sur la croix n'a rien de romanesque, elle énonce l'acte d'accusation de Jésus, exécuté en tant que criminel politique. L'entreprise, nouvelle collaboration avec Serge Bramly, aura nécessité deux ans de travail, une équipe fixe de 17 personnes (maquilleur, styliste, décorateurs, coiffeurs), 250 figurants, 1,5 millions de francs dont une partie versée par le ministère de la Culture... 85 photos racontent la vie de Jésus, de l'apparition de l'ange Gabriel jusqu'à l'ascension du Christ. Provocante, la couverture est illustrée par une femme crucifiée nue. I.N.R.I déclenche un procès du Front National et, d'un prêtre intégriste qui fit interdire interdire son exposition dans les vitrines des librairies.

X'Mas (2000), More Trouble (2004) & Héroïnes (2006)

Bettina Rheims réalise X'Mas, en 2000, une série de photographies montrant des jeunes filles, à la découverte de leur féminité, posant sur des fonds blancs ou dans des décors de la vie quotidienne. Les femmes de Bettina Rheims ont un côté très fétichiste elles s'accessoirisent de vêtements de créateurs, d'objets design. Son ouvrage, More Trouble, publié en 2004, regroupe plus de dix années de photographies de femmes. Ce livre accompagne une grande exposition rétrospective dans les principaux musées d'Europe, dont les premières étapes sont : Helsinki, Oslo, Vienne, Dusseldorf et Bruxelles. Les 23 portraits d'Héroïnes, réalisés en 2005 présentent vingt-trois femmes à la beauté décalée, photographiées dans un décor très sobre, avec pour seul décor un caillou avec lequel elles ont dû composer suite à la demande formulée par Bettina Rheims : "c'est votre caillou, c'est tout ce qu'il vous reste au monde…" Les photos diffractent la beauté classique proposant un regard déculpabilisant sur les imperfections charnelles, "c'est-à-dire avec toutes les petites taches qui peuvent marquer les peaux, même jeunes, laissant apparaître l'irrégularité de la carnation, les grains de beauté qui ne sont pas toujours si beaux et les petits boutons, la granulation, le duvet, la pilosité des avant-bras et des jambes, les veines bleues parfois légèrement gonflées, et les cernes, les rides quand elles sont là, la rugosité d'un talon, une cicatrice, la trace d'une écorchure, ou encore ce qui semble être la fine saignée laissée par l'élastique de la culotte…" (Catherine Millet)(3)

Can You Find Happiness ? & Just like a woman (2008)

L'exposition Can You find hapiness ? qui a pour commissaire le critique d'art Philippe Dagen, a eu comme première étape le C/O de Berlin (du 8 mars au 11 avril 2008) et, est actuellement à Forma, Milan (du 23 septembre au 23 novembre 2008). « C'est ce réalisme singulier, cette chair photographiée jusque dans ses recoins, ses défauts, ses abandons, cette audace aussi dans les thèmes et le traitement sculptural des formes, qui ont fait le succès de Bettina en Allemagne » (Jérôme de Noirmont). Ces 95 clichés dévoilent Sharon Stone en croqueuse de diamants, Vanessa Paradis en Lolita s'essuyant le trop rouge de sa bouche, Monica Bellucci se léchant les doigts maculés de ketchup ou encore Kristin Scott Thomas se départissant de son artificielle perruque blonde peroxydée. Quant à sa dernière exposition, Just like a woman, qui s'est tenue à la galerie Jérôme de Noirmont (de mai à juillet 2008), elle se compose de 13 portraits de jeunes filles pas encore femmes à la sensualité troublante, comme surprises au réveil. Le titre de l'exposition reprenant la chanson de Bob Dylan du même nom :

She takes just like a woman, yes, she does She makes love just like a woman, yes, she does And she aches just like a woman But she breaks just like a little girl Serge Bramly qualifie ces femmes : "Elles croissent dans ces régions autonomes, souvent rebelles, où s'érige le secret ; et elles ne nous appartiennent en vérité qu'à demi".(4)

The Book of Olga (2008)

Le richissime époux de la top-model Olga Rodionova, figure emblématique de la jet-set moscovite, fait appel à Bettina Rheims pour réaliser une série de photographies immortalisant sa flamboyante épouse. L'ouvrage, préfacé par Catherine Millet, est le résultat de trois séances de shooting : la première effectuée dans la maison de campagne de Bettina Rheims, la seconde mettant en scène Olga dans des situations SM —intégrée dans des scénarios impliquant plusieurs protagonistes, aussi bien masculins que féminins— rappelant à juste titre la Justine de Sade ou encore Sweet Gwendoline de John Willie et la troisième dans un esprit très boudoir, en véritable exégète de Marie-Antoinette. Le livre-apologie de cette déesse femme adorée est édité par Taschen et ne sera tiré qu'à 1000 exemplaires. Il comprend plus d'une centaine de photos toujours plus suggestives et plus sensuelles. À feuilleter entre quatre murs tapissés de toile de Jouy…

Le travail de Bettina Rheims témoigne avant tout d'un appétit, d'une générosité à l'égard des formes, des femmes et de la représentation du corps. Une beauté multiple intégrant les imperfections qui sont bien plus magnifiées que gommées, une beauté aux frontières perméables ne s'arrêtant à aucune notion de race, religion ou sexualité.

[gris]Saskia Farber[/gris]

[gris]Bettina Rheims vit et travaille à Paris où elle est née.
Elle est représentée par la galerie Jérôme de Noirmont : http://www.denoirmont.com[/gris]

[gris]Remerciements à Emmanuelle de Noirmont
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[gris]Citations :
(1) Michel Onfray, Oxymoriques. Les Photographies de Bettina Rheims, Éditions Jannink, Paris, 2005.
(2) Bettina Rheims, Modern Lovers, Éditions Paris Audiovisuel, 1990
(3) Catherine Millet, Héroïnes, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2006 (préface)
(4) Serge Bramly, Just like a woman, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2008 (préface)
[/gris]

[gris]Sources :
Modern Lovers, Éditions Paris Audiovisuel, 1990
Female Trouble, Schirmer / Mosel Verlag, 1991
Chambre Close (texte de Serge Bramly), Gina Kehayoff Verlag, Munich, 1992
Les Espionnes (texte de Bernard Lamarche-Vadel), Kehayoff Verlag, Munich, 1992
Kim, Kehayoff Verlag, Munich, 1994
Animal, Kehayoff Verlag, Munich, 1994
I.N.R.I. Jésus, 2000 ans après… (texte de Serge Bramly), Éditions Albin Michel, Paris, 1998
X'mas, Éditions Léo Scheer, Paris, 2000
Shanghai (texte de Serge Bramly), Éditions Robert Laffont, Paris, octobre 2003
Rétrospective, Schirmer/Mosel Verlag, Munich, 2004
More Trouble, Schirmer / Mosel Verlag, Munich, 2004
Héroïnes, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2006
Can you find happiness, Schirmer/ Mosel Verlag, Munich, 2008
Just like a woman, Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2008
The Book of Olga, Taschen GmbH, Cologne, 2008
[/gris]

Tana Kaleya : Photographe mixte

Alina — 2009-04-27T14:55:04Z

1974. Octobre 1974 pour être précis… Les librairies parisiennes présentaient sur leurs tables Hommes, un livre qui fera scandale, avant de rentrer dans les mœurs. Hommes, un ouvrage qui présente des images d'hommes… Nus ! Cette année-là, Yasser Arafat triomphe à l'ONU. Mise en service de l'aéroport Charles de Gaulle. Mort de Gorges Pompidou, de Marcel Pagnol et du couturier Jacques Esterel. Valéry Giscard d'Estaing est élu président de la République. Jean-Paul Sartre visite Andréas Baader dans sa prison. Bertrand Blier sort les Valseuses. Bjön Borg remporte son premier Roland Garros. Le féminisme est en pleine gloire. Une jeune femme, Tana Kaleya, va créer l'événement avec ce livre d'hommes nus…

Une époque formidable

Née à Wroclaw en Pologne, elle grandit et étudie la littérature en Autriche puis en Allemagne. Après quelques court-métrages ayant pour thème le mur de Berlin, et quelques boulots de mannequin, elle échoue à Paris. Le temps de rencontrer un homme, Victor, et de partir avec lui faire le tour de la Méditerranée sur un ancien thonier, le Gift of the Wind. Après quelques allers et retours entre des films publicitaires et Ibiza, elle rencontre David Hamilton, le photographe star de ces années d'insouciance et de romantisme bon-marché : « Cette rencontre a été un choc, je lui ai posé des tonnes de questions sur son travail. J'ai rencontré son agent qui m'a beaucoup conseillé. Puis l'agent m'a proposé un boulot : faire une image d'un musicien de jazz, le genre gros barbu pas très propre. Je l'ai fait poser nu, j'avais une trouille bleue et je ne savais pas comment m'y prendre. Je lui ai donné une fleur dans la main, ça l'a rendu humain. ». Grâce à cet homme qui s'appelait Eddie selon ses vagues souvenirs, elle devient vite obnubilée par la nudité masculine : « J'ai commencé à faire des castings dans la rue, dans les parcs… Presque tous les hommes me disaient oui. A cette époque la drague était facile, on se regardait, on se draguait, et si on se plaisait, on couchait ! Ce n'était pas plus compliqué que cela. J'étais une femme libérée, je ne me sentais jamais oppressée. J'étais sensuelle et ouverte ! ».

La passion des hommes nus

Paris, Saint-Tropez, Ibiza, New York, Rome… ses castings ont du succès, elle aussi… La légende commence : « Durant un mois je n'ai photographié que des sexes en gros plan, au repos, en érection, le matin, le soir, la nuit. Je ne photographiais que cela. Quand la gêne fut cassée, quand « cette chose horrible » reprit sa place normale dans un corps masculin, je pus reprendre ma tâche »(Photo 89, février 1975). Tana lit un texte à haute voix, nous sommes au salon de thé de la Grande Mosquée de Paris… Quelques têtes se tournent… Et elle éclate de rire « Ce sont des conneries, je n'ai jamais eu peur du sexe d'un homme ! Ni au repos ni en érection ! » À l'époque il était de bon ton de poser à poil… Trois années après la célèbre publicité où Yves Saint Laurent posait nu, devant l'objectif de Jean-Loup Sieff, pour son parfum Homme. En feuilletant les pages du livre on peut tomber sur Rudolph Noureev, Frédéric Mitterrand, les acteurs Terence Stamp ou Helmut Berger, le photographe Jean François Bauret… Et plein de petits jeunes rencontrés ici et là, surtout dans les îles : « Il y a des adolescents dont un gamin de 12 ans qui vivait seul à Ibiza, il était Américain, j'ai jamais compris comment il avait échoué là… À l'époque c'était normal de photographier nu un gamin ou une gamine… »

Un livre polémique

Les préfaces du livre sont signées par deux stars de l'époque : la peintre Léonor Fini et l'écrivain Roger Peyrefitte, l'un des premiers à faire son coming-out. Beaucoup de presse. Certains y voient une « salope » qui déshabille les hommes pour le plaisir, plus que pour l'art. Philippe Bouvard, alors roi de l'audiovisuel, l'invite en prime-time (un mot qui n'existait pas), comme une attraction de foire, Tana Kaleya joue son rôle à la perfection et tient bien devant les questions salaces de l'interviewer… « Assurément, cette jeune femme est en train d'apporter à la photographie de nu ce qui lui manquait le plus : une dimension philosophique et un supplément d'âme ». Jean-Luc Monterosso dans Le Quotidien de Paris. « Entre Vogue et Léonard de Vinci, entre la revue de mode et l'esthétique Renaissance qui transparaît dans les attitudes des modèles et la façon de rendre la sensualité et la beauté du corps de l'homme, Tana Kaleya nous décrit les blasons du corps masculin ». (Michel Nuridsany Le Figaro, 1974).

Le début de la gloire

Les images sont exposées à la FNAC, le lieu branché de l'époque. Les signatures se suivent, Tana Kaleya rencontre son public : des femmes libérées qui n'ont pas peur de s'offrir ce livre ou à leurs copines… Les Chippendales n'existaient pas ! Ni le calendrier des rugbymen ! Plus tard, le livre et Tana Kaleya deviendra une référence dans le milieu homo : « À l'époque l'homosexualité était plus cachée… Puis on se foutait de savoir tes préférences sexuelles ! » La gloire commence, elle réalise les fameuses images de Michel Polnareff montrant ses fesses… Une gueule d'ange sonne un jour à sa porte : « Il était tellement beau que je lui disais de devenir acteur, mais il refusait une telle carrière ne sachant parler ni français, ni anglais. Il voulait absolument que je le photographie avec la bite en avant, il était obsédé par son engin… Pour lui c'était son seul atout pour se vendre au cinéma ». L'acteur en devenir s'appelait Rocco Ziffredi.

Papesse de la photo érotique

Tana Kaleya continue sa carrière de photographe en travaillant pour de nombreuses éditions de Playboy. Cette fois-ci, elle s'intéresse au nu féminin, aux images érotiques pour magazine masculin de charme : « A la différence d'Hamilton je ne cherchais pas les jeunes filles, j'aime les vrais femmes très féminines. Sans être lesbienne, je suis plutôt une érotomane : si une femme dégage une réelle sensualité je veux la partager ! ». Tana s'emporte « Si j'avais une queue, je baiserais toutes les femmes ! ». Nous sommes toujours à l'intérieur de la mosquée… L'érotisme est devenu sa carte de visite… Elle voyage beaucoup pour Playboy, elle tourne un film dans la lignée d'Emmanuelle, Femmes avec Helmut Berger et Alexandra Stewart, qui fera un bide ! Femmes, sera aussi le titre de son second livre.

L'éternel masculin

Aujourd'hui, après une vie d'errance sur son bateau ou dans un centre de méditation en Inde, après un long flirt avec la peinture et une longue amitié avec la peintre Léonor Fini, Tana Kaleya reprend son appareil photo. Les verres de thé à la menthe s'empilent sur le plateau…Tana Kaleya veut, comme pour se justifier, rajouter encore quelques phrases sur son amour des hommes, éternels objets de désirs : « Ce que j'aimais, c'est l'homme dans sa sensualité androgyne. Auparavant l'homme devait apparaître mec. J'ai fait le premier livre où le coté femme de l'homme apparaissait, son coté mixte. Un homme peu agressif, sensuel, presque efféminé comme on disait péjorativement à l'époque. L'homme est un grand mystère, c'est un univers d'énigmes, de rêves et de désirs enfouis… À chaque fois que j'en rencontre un, je suis transportée… Je pourrais en parler pendant des heures ».

[argent]Patrick Rémy[/argent]

Portrait d'artiste : Tierney Gearon

Alina — 2009-04-27T14:48:08Z

Tierney Gearon parle vite, elle sait ce qu'elle veut et sa vie ressemble à un conte de fée : issue d'une riche famille d'Atlanta, de beaux enfants, des vacances à Saint-Barthélémy, les Hamptons ou Gstaad... Mais rapidement apparaît dans la conversation une cassure qui surprend dans cette vie trop belle : « Ma mère est folle ! » Elle rajoute après un temps de pause : « Elle est totalement folle, si folle que l'on ne sait jamais ce qu'elle va faire pendant ses crises... Elle croyait à l'arrivée d'extra-terrestres, elle envoyait des lettres anonymes à la Maison Blanche, alors le FBI débarquait.... Mais elle est très belle »

De mannequin à photographe

Tierney aussi est belle, après une enfance et une adolescence quelque peu solitaire, elle quitte l'université pour devenir mannequin chez Élite : « Pendant longtemps je ne savais pas qui j'étais, je n'ai jamais été intégrée à un groupe... Nous étions un groupe de filles perdues, nous voyagions à travers le monde, on travaillait avec des gens que l'on ne revoyait plus... Je passais mon temps à prendre des polaroïds de mes copines, j'en faisais des petits livres. Chez Élite Paris, je shootais les composites des débutantes ». Tierney Gearon arrête vite pour se lancer dans la photographie de mode avec une première série pour le magazine italien Lei. Puis le mariage avec un Français, banquier, que l'on imagine beau, la vie à Londres, un premier enfant, un second, un divorce... Une vie classique. Elle commence à abandonner la mode pour photographier son intimité la plus immédiate : ses enfants par exemple, exorcisant ainsi ses peurs domestiques. La nudité, parfois un petit sexe dressé, des jeux d'un petit garçon et d'une petite fille ont choqué…

Les enfants du scandale

Son regard est celui d'une mère, qui aime ses enfants, même si elle donne parfois un petit coup de main à la réalité, se promenant avec des masques ou des objets susceptibles de pimenter l'ordinaire : « Quand nous allions aux sports d'hiver à Gstaadt, qui est l'une des villes les plus snobs du monde, j'y ai emmené la poupée Barbie de ma fille, bien qu'il n'y ait que ça dans les rues, mon fils a joué avec, et j'ai pu réaliser au cours de notre promenade une superbe image étrange... Au Texas, sur une route, je vois un vieux monsieur qui marchait lentement, voûté comme un oiseau. Je lui ai demandé de poser avec un masque, il était ok, et mon fils qui venait juste d'arriver s'est précipité sur cet homme intriguant, la photo était là... » Mais lors d'une exposition, I am a camera, organisée par le collectionneur Charles Saatchi, le scandale éclate, relayé par la presse britannique qui y voyait de la pédophilie. Elle répondra : « Je suis une mère d'abord, ensuite un artiste et si je savais que ces images créeraient même 2% de cette controverse, je n'aurais jamais rien fait avec eux ».

L'art dans la sphère intime

Les photographes ont tout d'abord parcouru et saisi le monde, après ils sont descendus dans la rue, enfin leur nouvelle frontière est devenue leur intimité : Philip-Lorca diCorcia a commencé par photographier son frère et ses amis les plus proches, Tina Barney capture sa famille WASP de New York ou de Rhode Island, Sally Mann met en scène ses deux filles et son fils, et bien-sûr Nan Goldin et Larry Clarke ont fait de leur sphère intime toute leur oeuvre. Tierney Gearon affirme : « Je ne fais pas poser les gens, je ne les dirige pas, je les laisse vivre, mais j'essaye de susciter le moment, qui peut être décisif ». » Sa photographie est devenue une véritable thérapie : « J'ai découvert à travers ce travail, ma famille : il y a de tout… Des gens malades du Sida, des noirs, des homosexuels, des pauvres, des gros, des hippies... Vous prenez deux personnes qui forment un couple et vous élargissez le cercle familial, c'est fou cette diversité que l'on peut découvrir ! »

Mère et fille

Dès 1998, Tierney va photographier sa mère, elle lui consacre un livre et un film documentaire présenté dans plusieurs festivals comme ceux de Vancouver, Rome ou Sundance. Elle la fait jouer, organise des mises en scène, des tableaux vivants, où sa mère tient le rôle principal, et parfois ses enfants ou elle-même jouent les rôles secondaires. Qu'y a t-il de plus difficile que photographier sa mère ? Et sa mère nue, voire dans des positions équivoques ? Un regard aussi sur les corps qui vieillissent. Un travail qu'elle a réalisé en parallèle avec la naissance de ses enfants. Deux réalités se croisent parfois, celles d'une mère isolée dans son monde, sa folie, et celle de l'artiste devenue mère. La mère regarde sa fille nue en train de faire l'amour, les enfants sont confrontés à la décrépitude de leur grand-mère, parallèle des corps sublimés et abîmés par les maternités, des peaux qui luttent contre les rides. Cette œuvre rare montre comment une mère et sa fille se voient l'une dans l'autre, une vision subtile des rôles qu'elles jouent, chacune sur la vie de l'autre.

[argent] Patrick Rémy[/argent]

Portait d'artiste : Natacha Merritt

Alina — 2009-04-27T14:43:07Z

I reset
my mind via sex
no frills
no hang ups
no complications
very possibly the way it should be

Métapornographie féministe : La vérité nue

Délibérément provocante et désinhibée dans la lignée de Nan Goldin pour la photographie, Cosey Fanny Tutti pour la musique ou encore Annie Sprinkle dans le domaine de la performance, Natacha Merritt, sublime jeune femme brune, exhibe son corps via Internet ou lors d'expositions à la fois collectives et privées. Sa vie sexuelle constitue le matériau principal de son travail, diffusé sur son site personnel : http://www.digitalgirly.com. Expérimentant sans tabous apparents, sans retenue aucune, une large gamme des déclinaisons envisageables de la sexualité contemporaine : ondinisme, bisexualité, bondage, sado-masochisme soft, triolisme, elle se met en scène, en action, avec ses partenaires occasionnels féminins et/ou masculins consentants : sous la douche, au lit, en train de se masturber avec ou sans sex toy, s'exposant pudeur évacuée. La limite entre vie privée et art s'en trouve ainsi ébranlée par ces retransmissions photographiques effectuées, appareil tenu à bout de bras. Elle mime jusqu'aux codes couleur les productions pornographiques vidéos amateurs déjà en pleine expansion, propagées largement par le biais du net. Cependant, ici, l'imagerie classique de la femme objet désormais révolue, donne naissance à une nouvelle femme emblématique, affirmée comme exploratrice de son propre plaisir. Elle devient l'instigatrice de jeux illimités, proposant d'elle une image de jouisseuse première. S'inscrivant dans la lignée de Cindy Sherman ou Diane Arbus auto-portraiturant leur féminité face à l'objectif. Son intervention enclenche une entrée efficiente dans l'ère du numérique et de la multiplication des images domestiques.

Technologies narcissiques reproductives

Née en 1977 à San Francisco, elle vit et travaille à Los Angeles. En 1996, elle entreprend des études de droit à la Sorbonne, à Paris, qu'elle abandonne très rapidement (au bout de trois mois) pour se consacrer en autodidacte à sa passion : la photographie numérique érotique. « A cette époque en France personne n'avait jamais vu un appareil photo comme celui-ci, alors je prenais juste des photos de gens dans la rue, bénéficiant d'un étonnant retour de la part de parfaits étrangers. J'ai également commencé à prendre des photos issues de ma vie amoureuse, ce qui était parfaitement naturel puisque j'engageais une relation agréable : c'était la plus belle chose possible. Mais je ne considérais pas cela comme de l'art. Je n'ai jamais eu le désir d'être artiste, et je ne voyais alors dans la photographie numérique qu'un loisir. » De retour en Californie, elle distille dans un premier temps ses instantanés via Internet, sous le pseudo vite abandonné de Max Cameron, afin de se prémunir des avances éventuelles d'internautes attisés par ses images, avant d'être remarquée fortuitement par Eric Kroll (photographe fétichiste) qui sera à l'origine de la publication des photos de la jeune femme de 22 ans au sein de la maison d'édition allemande : Taschen. Elle s'investit également dans un travail vidéo, scénique et plus récemment scénaristique.

Digital Diaries : Journal d'une pornographe digitale

La jeune Natacha nous livre 250 photos sur 256 pages dont des extraits textuels de son journal intime. Actuellement épuisé, l'ouvrage Digital Diaries remporta un immense succès lors de sa publication en 2000 : « Il s'en est vendu des centaines d'exemplaires. Je pensais qu'il serait plus controversé. Ma réponse préférée venait d'une grande quantité de filles qui me dirent « je n'ai jamais remarqué cette partie de mon anatomie ». J'appréciais également les commentaires des garçons me disant que je faisais des images sales qu'ils pouvaient regarder avec leurs copines. » Tirant parti de l'émergence du médium numérique Natacha Merritt se livre à des expérimentations photographiques physiologiques, nous invitant à sa suite à partager l'intimité d'une jeune femme du XXIe siècle. Les corps morcelés, en gros plans cadrés, décadrés, nous plongent irrésistiblement à sa suite dans un tourbillon orgiaque ou les chairs se confondent. Pas de violence ni de faute, l'acte sexuel y est désacralisé, déculpabilisé pour ne plus garder que son côté ludique et performatif. Vision kamasutresque d'un apprentissage charnel.

Zumanity, le Peep Show du cirque du soleil

En 2003, Natacha Merritt répond à une commande du Cirque du Soleil (compagnie canadienne de cirque artistique) pour un show érotique à Las Vegas, au New York New York Hotel & Casino, intitulé ZUMANITY. Elle est chargée de réaliser des projections photographiques liées aux décors de scène. Elle en utilisera près d'une centaine : “ Je travaillais tout l'été pour le Cirque du Soleil, réalisant des projections multimédia. C'était un show érotique, je devais photographier une troupe d'acrobates de la manière que je souhaitais pendant six mois. Au départ, j'étais un peu nerveuse en leur laissant accéder à Digital Diaries, mais cela s'est avéré bénéfique permettant d'instaurer un climat de confiance : peu importe ce que je leur demandais de faire, il savaient que je m'étais déjà photographiée moi-même dans des positions bien plus humiliantes. Cela a fait exploser les barrières. » Dans un premier temps, elle a préféré observer longuement les acteurs, établir un climat de confiance avant même de se saisir de l'appareil photo pour finalement les capturer dans leurs chambres d'hôtel en dehors de toute représentation. Elle a choisi de faire se superposer plusieurs photographies afin de créer un film qui sera ensuite projeté sur un des éléments de la conception scénique : il s'agit de vagues, à multiples facettes, en mouvement permanent, placées en arrière scène. Il en résulte un mélange de carnations, membres, bouches et corps, en constante métamorphose, imbriqués en un collage synchronisé avec la musique et les contorsions des artistes.

Girls…Girls…Girls…

Prévue à l'origine pour Paris, interdite au moins de 18 ans et refusée par les institutions, Girls…Girls…Girls…, sous un commissariat de Stéphane Pencréac'h (artiste) et Richard Leydier (journaliste) aura finalement lieu en 2005 au CAN (Centre d'Art de Neuchâtel) en Suisse. En réponse à ces refus, Catherine Millet, directrice d'Art Press, et auteur de La vie sexuelle de Catherine M (Editions du Seuil) avait réagit en proposant de rassembler le travail des deux curators dans un numéro hors série de sa revue : « X-Elle, le sexe par les femmes ». Après publication de ce cahier, en mai 2004, le CAN se propose d'accueillir l'événement. Une exposition 100% féminine, avec Maria Beatty, Madeleine Berkhemer, Virginie Boursette, Hsia-Fei Chang, Béatrice Cussol, Ninar Esber, Catherine Jammes, Sonia Koumskoff-Raissi, Pascale Lafay, Chloë des Lysses, Marianne Müller, Lyzane Potvin, Kiki Seror, Nicole Tran Ba Vang, Ileana Vicius, Ellen Von Unwerth, Ornela Vorpsi, Lamia Ziadé et Natacha Merritt. L'origine de cette exposition-réponse aux idées reçues, dont ils faisaient eux même les frais, venant d'une réflexion menée par les deux hommes à propos de la présence des femmes dans l'histoire de l'art contemporain.

Sexe et convenances II

La galerie Pascal Vanhoecke présente en 2007 une exposition interdite aux mineurs regroupant 16 artistes provocants ayant rejeté toutes métaphores et autres circonvolutions pour nous parler crûment de sexe (Toni Ward, Laurence Demaison, Pascal Bernier, Thomas Ruff…). L'événement Sexe et convenances est d'ailleurs repris en juillet 2008 dans cette même galerie. Tony Ward, Thomas Ruff et Natacha Merritt réinvestissant les codes de la pornographie, s'en emparant par le biais de la photographie dont la crudité immédiate, plonge le spectateur/voyeur dans une réalité plus immédiate. Opérant par là-même une abolition des frontières entre sphère intime et sphère publique, brouillant les pistes, Natacha Merritt fait de son appareil numérique le prolongement naturel de son corps.

Curating Contest 2007

A l'initiative du galeriste Olivier Robert, quatorze commissaires d'expositions ou acteurs de l'art contemporain sont invités chaque année à investir 16 chambres de l'hôtel de la Louisiane à Saint Germain des Prés. Richard Leydier intervenant cette fin d'année (décembre 2007) dans la chambre 33, présente une installation intitulée Do Not Masturb avec Natacha Merritt, Lamia Ziadé, Stéphane Pencréac'h, Vuk Vidor et Kristian Von Hornsleth. Les artistes envahissent chambre et salle de bain. Le curator y présente notamment une image photographique de Natacha Merritt issue de ses Digital Diaries. Voilà, la chambre s'intitule "do not masturb". C'est littéral, cela veut aussi dire, dans un monde de l'art qui évacue le plaisir, que parfois, c'est agréable de ne pas "se prendre la tête". C'est percutant, c'est ce que nous voulions." (R. Leydier). La présence de Natacha Merritt dans cette manifestation est plus que légitime, les chambres d'hôtel n'ayant cessées d'être le théâtre de ses expérimentations de Digital Diaries à Zumanity. Natacha Merritt prône une nouvelle forme de sexualité numérisée, partageable diffusée et libérée des contraintes morales. Là où vie et travail sont inextricablement mêlés, le corps prend toute la place et manifeste son droit à la jouissance décomplexée. Les images de Natacha Merritt se démarquent de celles des autres webcamgirls livrées aux internautes, de par leur maîtrise photographique et l'originalité de leurs cadrages. Elles s'inscrivent immédiatement dans le champ de l'histoire de l'art relevant de qualités esthétiques évidentes. Elles proposent un nouveau regard sur le corps grâce à l'émergence des technologies exploitant majoritairement l'imagerie numérique.

[gris]Saskia Farber
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[gris]Elle est représentée à Paris par la galerie Pascal Vanhoecke
http://www.galeriepascalvanhoecke.com/

[/gris] [gris] Remerciements à Pascal Vanhoecke[/gris]